Without computer : anthropocene and digital imaginaries (ENS)

08/04/2019

ENS, 45 rue d’Ulm, 75005
Salle Dussane

9:00
Welcome, coffee
9:30-9:45
Introduction : Béatrice Joyeux-Prunel (École Normale Supérieure, DHTA)

LES RACINES DE L’APOCALYPSE / ROOTS OF THE APOCALYPSE

9:45-10:00
Introduction : Clémence Hallé (SACRe)

10:00 -11:00
Philippe Descola (Collège de France) & Julien Discrit (artiste)
Images anticipatrices
L’entrée dans la modernité, au tournant du 17e siècle, a fait de l’homme le « maître et possesseur de la nature ». En ce début de XXIe siècle, ce modèle donnant à l’homme moderne une position centrale, exclusive et dominatrice au sein du vivant, est entré dans une crise profonde, dont les causes seraient précisément à chercher dans ce positionnement singulier. Nous verrons, en remontant aux origines du naturalisme, comment les modes de figurations et les images qui ont émergés dans l’art du XVe et XVIe siècle en Europe, portaient déjà en eux la révolution philosophique et scientifique qui allait advenir, et l’ont ainsi précédée. Dans un deuxième temps, à défaut de pouvoir y trouver des images prémonitoires, il sera question de déceler dans notre époque, comment ce « grand décentrement » qui semble paradoxalement caractériser l’anthropocène, infuse un certain nombre d’artistes, au travers d’un retour affirmé à la matérialité.
Enfin, nous verrons comment cette profonde remise en question en appelle à d’autres modes de figurations, à des hybridations entre des images à la fois indicielles et iconiques, caractéristiques des peuples aborigènes d’Australie.

Philippe Descola est titulaire de la chaire ‘Anthropologie de la nature’ au Collège de France et directeur d’études à l’École des hautes études en sciences sociales. Lauréat de la médaille d’or du CNRS en 2012, il est membre étranger de la British Academy et de l’American Academy of Arts and Sciences.
https://www.college-de-france.fr/site/philippe-descola/index.htm
Julien Discrit est un artiste français (1978) utilisant l’installation, la sculpture et l’image. Ses œuvres explorent les modes de représentation de l’espace, afin d’en construire des récits et en souligner les ambiguïtés. Il a participé à de nombreuses exposition en France et à l’étranger dont La Biennale de Lyon en 2017 et 2011. Il vit et travaille à Paris.
http://www.juliendiscrit.com

11:00-12:00
Emmanuele Coccia (EHESS) & Rocio Berenguer Roldan (artiste)
Rencontres intérspecifiques
A partir des travaux de travaux théâtraux de R. Berenguer (G5) et des recherches récentes en philosophie et en écologie, nous voudrions questionner la possibilité de penser la relation interspécifique non plus comme un fait purement biologique et de l’ordre de la nécessité mais comme arbitre politique éphémère et fragile, constamment soumis à la possibilité d’un renversement

Rocio Berenguer, artiste transdisciplinaire, unit dans son parcours professionnel; dramatugue, metteur en scène, actrice, danseuse, chorégraphe. Directrice Artistique de la compagnie Pulso. Dans ces créations elle explore la hybridation entre différentes disciplines. Actuellement elle se centre sur l’écriture de projets arts/science où la dramaturgie de l’oeuvre intègre les nouvelles technologies comme partie prise de l’écriture.
http://www.pulsopulso.com
Emanuele Coccia est maître de conférences en philosophie à l’Ecole des Sciences Sociales (EHESS) à Paris. Il a étudié à Macerata, Florence, Berlin et Paris et a enseigné la philosophie médiévale à l’Université de Freiburg notamment. Professeur invité de différentes institutions, dont l’Italian Academy for Advanced Studies de New York, il a publié plusieurs ouvrages, traduits en différentes langues : La Trasparenza delle immagini. Averroè e l’averroismo (Milan 2005), La vie sensible (2010), Le bien dans les choses (2013), La vie des plantes (2016). Il est également l’éditeur (avec G. Agamben) d’une anthologie sur l’angélologie dans le judaïsme, le christianisme et l’islam (Angeli. Ebraismo Cristianesimo Islam, Vicenza 2009).
https://www.ehess.fr/fr/personne/emanuele-coccia

12:00-13:00
Kerstin Schroedinger (filmmaker) & Selma Lepart (SACRe/ENSAD)
What are acts of machine breaking in contemporary post-digitality ?

In the film project The Song of the Shirt I follow the history of the Luddites as weavers and textile workers with the aim to trace back a counter narrative to the capitalist dominant one. In several transregional and transtemporal settings of cotton production, I search for practices in post-industrialised lines of production and research acts of sabotage that are not visible, but rather act through withdrawal or through not acting (eg slow down) in order to de-accelerate. Slowing down, stopping, not proceeding. Degrowth, downgrade, regress. Machinebreaking today might need a sense of a machine that is less of a symbol for a mechanistic demon, but whose ghostly appearance causes the quest to destruct it (see Ong, Spirits of Resistance).
In Die Antiquiertheit des Menschen Günther Anders writes that obsolescence is an act of resistance. To reject technical advance is on the one hand a very precarious political and intellectual position, on the other hand the rejection is a (necessary) position of critique, hence the critical position “disturbs the development of the industry as well as the market of the product”. Through the project I interpret the Luddite-inspired technology critique as a critique of power structures that could potentially bring about the appropriation and transformation of technology, and thus has revolutionary potential. What I am interested in is a sense of technological impact analysis, as a means to predict a future, but in a Marxian sense, a future that can withdraw from dystopian predictions of the destruction of life.

Le travail de Selma Lepart se construit sur une convergence pluridisciplinaire : en impliquant des recherches issues du domaine des arts, des sciences, de la sociologie, des sciences de l’ingénierie (robotique et informatique) et des sciences cognitives. Elle utilise pour ses créations des matériaux issus de la chimie, des métaux à memoire de forme ou encore les nanotechnologies. Et collabore régulièrement avec plusieurs laboratoires : LUPM (Laboratoire Univers et Particules de Montpellier), l’ICG (Institut Charles GERHARDT ) et l’IES (Institut d’Électronique du Sud) et particulièrement depuis 2019 avec le LIRMM (Laboratoire d’Informatique, de Robotique et de Microélectronique de Montpellier) dans le cadre de sa thèse.
Kerstin Schroedinger is an artist based in Berlin working in film, video, sound, and performance. Her historiographic practice questions the means of image production, historical continuities, and ideological certainties of representation. Her work has been shown at art institutions and film festivals worldwide.
https://schroedinger.blackblogs.org

13:00-14:00
Lunch
14:00-14:15
Coffee (Salle Dussane, Rotonde)

14:15-15:00
Ozgun Eylul Iscen (PhD, Duke)
Anthropocene and Digital Colonialism: Speculative Narratives from the Middle East

This paper derives from the growing emphasis on reimagining the relationship between the Anthropocene and computational technologies and examines it in the context of the Middle East. The Middle Eastern context helps us to connect the development and current applications of computational technologies to their military, colonial, and neoliberal underpinnings. In this regard, thinking about the future of computer and Earth needs to be understood as a way of rewriting the history of this relationship and resituating the totality it is actively part of in the present. For instance, the systems produced and maintained by computational technologies, including from military to financial systems, cannot be thought in isolation from the petro-politics taking place in the Middle East, which entails not only the current extractive practices but also the reality of the finitude of oil. Those systems operate through investments in wars, real estate, arts, and high-tech industry in the region all at once. Therefore, it is necessary to trace connections between aesthetics, violence, and capital, and this task invites collaborations between artists and theorists. By drawing upon the texts of the philosopher Reza Negarestani and the works of the artist Moreshin Allahyari, this paper investigates the reconfigurations of temporality, materiality, and narrative that cut across the dialectical conditions of the Anthropocene and digital colonialism. While Negarestani’s texts encourage us to reimagine the relationship between materiality and thought, and human and non-human, Allahyari’s 3D printing-based works offer feminist and decolonizing perspective in the realm of petro-politics, material culture, and speculative story-telling. Eventually, this dialogue aims at analyzing the material and ideological impacts of computational technologies on our lives, while exploring the utopic and dystopic futures that await the region and beyond.

Ozgun Eylul Iscen is a PhD candidate in the Program of Computational Media, Arts and Cultures at Duke University, United States. She has a background in media theory and arts in the Middle East. Her dissertation project situates the history of computational media within the context of the Middle East and thus underlining wider flows of capital, technology, and culture. She received her BA in Sociology from Koç University, Turkey, and MA in Interactive Arts and Technology from Simon Fraser University, Canada.

15h-15:45
Sandeep Bhagwati (composer, Concordia) & Matthias Fritsch (philosophe, Concordia)
How to inhabit these different temporalities? Scale critique and music as modes of societal experience

One of the most elusive realities of the non-human world is its variety of timescales. From the SUMMIT supercomputer with 122 petaflops to the 4.5 billion years half-life of Uranium-238, our Umwelt moves through time in thirty simultaneous orders of magnitude – of which our own mind, bound by the temporality of chemical reactions, can barely perceive eight: We struggle to consciously feel the four score years of our individual lives – and everything that requires reaction times of less than 1 second must be done thoughtlessly.
How, then, can we hope to grasp the timescales of our interactions with this planet-especially, when the effects of our decisions are so creeping that gut reactions to it are nigh impossible? A contemporary consumer seems barely rational and self-aware from the perspective of a global, long-term phenomenon such as climate change, to which s/he decisively contributes but whose temporal and spatial scale s/he does not inhabit.
Fritsch, a philosopher working on intergenerational responsibility, and Bhagwati, a composer and comproviser, propose to establish a dialogue between what has been called scale critique and the temporalities of polyphonic music.
Scale critique (or scalar deconstruction) takes the time and space we inhabit to be ‘scaled’, that is, sustained as well as upset by distant effects traversing temporalities that are usually shielded from our view, but nevertheless haunt our self-conception as rational beings.
Learning to listen to polyphony may help: In counterpoint forms such as fugues, minute decisions at the outset may have major consequences for every aspect of the music. Such consequences affect the music at vastly different speeds in different auditory streams, even as these constantly interact with each other in co- dependent and co-generative ways, and take turns in leading and determining the harmonic and rhythmic climate of the music.
Could we – instead of deciphering time-invariant graphs and texts – learn to inhabit the temporalities of climate change by learning how to actively listen to poly-temporal flow?

Matthias Fritsch is a professor in the department of philosophy at Concordia University Montréal. His recent book is « Taking Turns with the Earth » (Stanford UP 2018). At the same university, Sandeep Bhagwati is a professor of music and director of the matralab. His most recent albums are « Miyagi Haikus » (dreyer gaido 2019) and « Iterations Remix » (with Gebrüder Teichmann on noland records 2019).

15:45-16:00
Break

16:00-17:00
Michaela Büsse (PhD, Critical Media Lab, Basel), Karolina Sobecka (artist) & Bernhard Garnicnig (Kunstuniversität, Linz)
The Collapseological Colloquium
In response to the call for proposals for Sans Ordinateur, this flock of each independent but concurrent research-creators is wondering: how would our lives, roles and thoughts that are so heavily reliant on computer technology change in the Sans Ordinateur scenario? What would happen to the very projects we are working on at this minute? And, if at all, why do we need doomsday scenarios to practice awareness and reflexion of our work? Might  the premise of collapse and annihilation be more deeply rooted in those cultural processes that produce our roles, jobs and projects than we sometimes want to admit? 
To explore this in the symposium, we would like to set a scene: the lights in the room are turned off, and the four of us sit around a table lit with only a faux-flickering LED candle at the center. Now, the time is post-digital. Then, each of us starts reading from handwritten notes recollecting their PhD and project proposals written back in a time when computers were still around. Each introduces the narrative premise of why computers disappeared by briefly sketching out, from the logic of their research, what must have happened for large-scale computational infrastructure to collapse. Then they draw out specific transformations and mutations of their projects in this scenario: how computers allowed to observe but perhaps disabled to interact with the relational agency of materials necessary for a conception of post-human design, how aesthetic practices did and, in many cases, did not influence climate change governance necessary to avoid the collapse, how the sense of belonging was altered for planetary-orbital-digitally entangled beings that grew increasingly troubled and threatened by their own superiority, and how artists kept working towards a mirage of institutional forms while those institutions turned out to really just be consensus hallucinations.
Then, a conversation among colleagues and the other participants begins. How did the self-criticism of the past link to a computerless imaginary of today? Which axioms and ideas at the foundation of their work still hold up, what becomes irrelevant, what was missing from the beginning? In the scenario of collapse, what was once speculative becomes historical. Does the speculative mode take the place of historical context, and perhaps orthodox scientific method, of our work? When we reconstruct personal knowledge under imaginary circumstances, everything is up for re-invention.

Karolina Sobecka is an artist, designer and researcher, examining social arrangements that exploit, resist or accommodate technological change. Sobecka’s work has been shown internationally, including at the Victoria & Albert Museum, The National Art Museum of China, MoMa Film, ZKM and Marfa Dialogues, and has received numerous awards, including from Creative Capital, NYFA and Princess Grace Foundation. Sobecka has taught at SAIC, RISD, and NYU, and is currently a visiting scholar at Scripps Institution of Oceanography, and a doctoral researcher at the Institute for Aesthetic Practice and Theory, HGK in Basel.
Bernhard Garnicnig is a researcher at the Institute of Experimental Design and Media Cultures, lecturer at Kunstuniversität Linz and a PhD candidate at the Academy of Fine Arts Vienna. His current work focuses on the digital occupation of institutionality as artistic practice, conceptual narrations of emancipatory institutional and corporate surfaces for structures of aesthetic collaboration and earnest attempts at making paradoxical things work to see what happens. He is the founding co-editor of continent., founder & former Very Artistic Director of the Palais des Beaux Arts Wien, co-founder of the Bregenz Biennale, and co-founder and Director of Supergood.
Michaela Büsse is an artistic researcher interested in speculative and experimental design practices, new materialism and philosophies of technology and ecology. Currently, Michaela is a PhD candidate at the Critical Media Lab in Basel. In 2017, she has been a fellow at Strelka Institute’s design think-tank « The New Normal ». In 2018, Michaela was part in the research residency « Acts of Life » – an interdisciplinary collaboration of NTU CCA Singapore and MCAD Manila. Michaela regularly lectures and runs workshops at various art academies; is part of the editorial board at Migrant Journal, and curator of OTHERWISE—a festival-as-research.

L’EFFONDREMENT DES MACHINES / MACHINE COLLAPSE

17:00-17:15
Introduction : Francis Haselden (École Normale Supérieure, DHTA)

17:15-18:15
Sophie Houdart (Laboratoire d’anthropologie sociale, CNRS) & Mélanie Pavy (cinéaste, SACRe, Fémis et ENS)
Consistance d’un territoire contaminé : “On sort donc les tripes petit à petit…”

Dans la petite ville de Tôwa, préfecture de Fukushima, Japon, à une cinquantaine de kilomètres de la centrale nucléaire éponyme, les habitants sont restés vivre après qu’une catastrophe, en mars 2011, a modifié substantiellement la composition de leur environnement. Un tremblement de terre de magnitude 9, au large des côtes au nord-est du Japon, a déclenché un tsunami, causant plus de 18 000 morts et disparus, et engendré un accident nucléaire de niveau 7. Le panache radioactif échappé des réacteurs endommagés s’est étendu jusqu’à plus de 100 km, créant des poches de contamination aléatoires sur le territoire. Criblée de ces « tâches de léopard », la vallée de Tôwa n’a pas été jugée suffisamment contaminée, toutefois, pour qu’une évacuation de la population ait été envisagée. Partant de deux terrains menés ensemble – et avec Gaspard Kuentz, réalisateur et interprète – en 2016 et 2017, nous avons cherché un dispositif d’écriture capable de rendre – au double sens d’esquisser et de restituer – les expériences de vie diffractées qui, depuis 2011, affectent les habitants comme elles nous affectent.

Cinéaste et chercheure, Mélanie Pavy réalise en 2014 son premier long-métrage, Cendres (en co-réalisation avec Idrissa Guiro) pour lequel elle sera pensionnaire durant 7 mois, de la Villa Kujoyama à Kyoto. Elle développe actuellement une thèse en cinéma, au sein de la FEMIS et de l’École Normale Supérieure de Paris, dans le cadre du doctorat SACRe (Sciences, Arts, Création, Recherche) de l’université Paris Sciences et Lettres. Elle collabore également depuis trois ans au collectif Call It Anything (F93) qui associe scientifiques et artistes autour de la triple catastrophe de mars 2011 au Japon.
Sophie Houdart est anthropologue, directrice de recherche au CNRS, Laboratoire d’Ethnologie et de Sociologie Comparative. Spécialisée sur le Japon, elle a réalisé plusieurs enquêtes sur le thème de la création et de l’innovation, dans les champs des sciences, de l’art ou de l’architecture. Elle travaille aujourd’hui sur la vie après la catastrophe de Fukushima, et participe dans ce cadre au collectif de recherche hybride Call It Anything.

18:15-18:30
Transfer to ENS Library

18:30-19:30
Library: Concert
Sandeep Bhagwati & Vincent Royer
Miyagi Haikus, version pour alto solo
​Le 11 mars 2011, un tsunami frappe la préfecture de Miyagi au Japon. En regardant avec incrédulité le déroulement de la couverture médiatique, le compositeur Sandeep Bhagwati écrit spontanément les « Miyagi Haikus » : Dix-sept méditations sur la réalité insaisissable des catastrophes naturelles, des processus géologiques transposés à l’échelle humaine et musicale. La partition des « Miyagi Haikus » est une musique abstraite, des comprovisations mélodiques et rythmiques sans instrumentation définitive, et elle a été interprétée par des solistes, des ensembles, des orchestres, des chœurs – chacun d’entre eux ayant fait sa propre version unique.

Altiste, improvisateur et compositeur français, Vincent Royer étudie au Conservatoire de Strasbourg avant de terminer ses études musicales supérieures à Cologne (RFA). Vincent Royer est lauréat du Prix Xenakis de Paris et de la Bourse Lavoisier et de la Bourse du Ministère de la culture de Paris .
En tant que soliste, Vincent Royer développe un large répertoire contemporain. En étroite collaboration avec des compositeurs tels que : Gérard Grisey, Pascal Dusapin, Horatiu Radulescu, Luc Ferrari, Jean-Luc Fafchamps, Sandeep Bhagwati, Vinko Globokar, Iancu Dumitrescu, Claude Ledoux, Ken Ueno, Christophe Bertrand… Royer crée des oeuvres, pour la plupart lui étant dédiées.
Membre du Gürzenichorchester de Cologne placé sous la direction de François Xavier Roth, Vincent Royer est très investi dans la pédagogie et la transmission. Il donne régulièrement des conférences et des workshops en Europe comme aux États-Unis et est nommé en 2010 professeur de musique de chambre au Conservatoire royal de Liège.

20:00
Dinner For Participants

09/04/2019

ENS, 45 rue d’Ulm, 75005
Salle des Actes (8:00-14:00) and Salle Dussane (14:00-18:00)

9:30-10:00
Welcome, coffee

10:00 -10:45
Alexander Taylor (Department of Social Anthropology, Cambridge)
Electromagnetic Eschatologies. Preparing for the end of the digital world in the data centre industry

Pushing studies of post-digital futures in new directions, this paper will examine for the first time how images and imaginaries of electromagnetic pulse (EMP) events are transforming the speculative end of the digital world into a commercial opportunity in the data centre industry. EMPs are powerful bursts of electromagnetic energy primarily produced by high-altitude nuclear explosions. The energy generated by EMPs can induce damaging high-voltage surges in electronic equipment within the range of the burst. Over the last two decades, the EMP threat has steadily moved onto national security agendas around the world and become a key target of critical infrastructure protection, amidst much public and political debate. The data centre industry has emerged at the forefront of EMP preparedness, with growing numbers of facility operators taking precautions to protect their premises from these electromagnetic events. In the data centre press, EMPs are often represented as microchip-melting energy blasts that would entail the prolonged loss of digital technologies and the collapse of computing infrastructure on a potentially continental scale for months or even years. Drawing from long-term ethnographic fieldwork in the data centre industry, this paper will explore the role that dystopian imaginaries of a future world without computers are playing in the making and selling of data centre security. In doing so, the paper will investigate how – and to what ends – foundational narratives of technological progress and mastery are being reconfigured through prisms of technological dependency and vulnerability in discourses and practices of EMP preparedness. With EMPs being configured as threats to an increasingly technology-dependent humanity, deeper understandings of the ways that the electromagnetic end of the digital world is being rendered politically and economically productive under logics of anticipatory security are urgently needed.

Based with the Department of Social Anthropology at the University of Cambridge, Alexander Taylor works at the intersection of digital anthropology, science and technology studies and media archaeology. He co-runs the Social Studies of Outer Space Network and is an editorial assistant for the Journal of Extreme Anthropology. His research interests include: techno-apocalyptic narratives, data preservation and pre-digital nostalgia.

10:45-11:00
Break

11:00-12:00
Guillaume Logé (docteur en esthétique, histoire et théorie des arts (ENS) et en sciences de l’environnement (Université de Lausanne)) & Ianis Lallemand (École supérieure d’Art et de Design TALM-Le Mans)
Le sauvage contre le digital ?
Les points de départ peuvent sembler s’opposer radicalement entre l’espace de travail de Ianis Lallemand, où ordinateurs et robots occupent une place centrale, et l’idée d’une vision renouvelée du sauvage que propose Guillaume Logé. C’est pourtant une reformulation de la notion de sauvage, et un parti écologique tiré de l’usage des machines qui fait converger leurs travaux. Guillaume Logé voit l’émergence d’une nouvelle renaissance, associée à une nouvelle forme de perspective et à un nouveau mode de création : il ne s’agit plus d’imposer une forme à la nature, mais de chercher à collaborer avec elle. Pour Ianis Lallemand, l’enjeu vise non pas à faire des outils informatiques et robotiques des instruments de domination, mais des moyens de travailler avec les potentialités de la matière, dans une dynamique d’émergence. Les questions essentielles qui s’ouvrent tournent autour du choix du meilleur partenaire « naturel » avec lequel travailler, du degré de contrôle, c’est-à-dire de la spécificité du code et de la programmation, et d’un tournant esthétique qui nous prépare à accueillir le hasard, l’imprévision, l’hybridation.

Ianis Lallemand, designer et chercheur, docteur SACRe (Prix de thèse PSL 2018), enseignant à l’École supérieure d’Art et de Design TALM-Le Mans, chercheur associé dans le groupe Reflective Interaction d’EnsadLab.
Guillaume Logé, chercheur, docteur en histoire et théorie des arts (ENS-PSL) et en sciences de l’environnement (Unil), auteur de Renaissance sauvage. L’art de l’Anthropocène, parution aux PUF le 3 avril 2019.

12:00-13:00
Dimitri Martin Genaudeau (SACRe, Fémis) & Olivain Porry (SACRe, ENSAD)
Charley Bowers et l’internet des perruches
« L’internet des perruches » d’Olivain Porry est un projet inspiré par le poème « All watched over by machines of loving grace » de Richard Brautigan. Ce poème formule le vœu d’un jardin d’Eden technologique au sein duquel humains, animaux, plantes et ordinateurs cohabiteraient en harmonie. L’internet des perruches expérimente la viabilité d’une telle utopie en tentant d’établir une communication entre volatiles, robots et humains.
Charley Bowers, cinéaste burlesque des années 1920, ne se préoccupait pas d’écologie, il a pourtant mis en scène, dans de nombreux courts-métrages, machines, animaux, plantes – toute une parade non-humaine avec laquelle le héros Bricolo (c’est sous ce nom que Bowers était connu en France) collaborerait joyeusement dans la création d’extravagantes mécaniques pour rendre les œufs incassables ou faire pousser les boîtes de conserve sur les arbres.
Le travail d’Olivain Porry et les films de Charley Bowers ont pour point commun de donner à voir, à presque 100 ans d’écart, d’autres types de relations entre l’homme, la nature et les technologies – décalées, désanthropocentrées – que celles qui pévalaient, ou prévalent toujours, à leurs époques respectives. Hier, le taylorisme, le fordisme et, avec l’apparition des premiers supermarchés, la société de consommation naissante dans les années 1920 aux États-Unis et, aujourd’hui, le courant posthumaniste, soutenue par les GAFAM à l’échelle mondiale, proposent une même vision utilitariste de ces interactions entre humains et non-humains, à laquelle Olivain Porry et Charley Bowers, remédient, chacun à leur manière.
Dimitri Martin Genaudeau et Olivain Porry proposeront chacun une lecture personnelle des correspondances entre ces deux objets, que ce soit en sondant les ressources réflexives du rire pour élargir l’imaginaire du monde à venir ou en explorant de façon expérimentale ces autres mondes possibles.

Dimitri Martin Genaudeau a étudié la philosophie et l’histoire du cinéma à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et à la City University de Hong Kong, il a passé un an à Prague dans la section de réalisation documentaire de la FAMU avant de rejoindre le doctorat SACRe (Sciences, Arts, Création, Recherche) à la Fémis (PSL) en 2018. Il s’intéresse à la représentation des transformations écologiques dans le cinéma chinois contemporain et à la place que réserve le cinéma burlesque aux présences « non humaines » ; en 2018, il a réalisé un court-métrage documentaire, Le Typographe de Šumava.
Olivain Porry, né à Fort-de-France (972) en 1990, est diplômé d’un DNAP et d’un DNSEP de l’école des Beaux-Arts de Nantes, est doctorant SACRe (Sciences, Arts, Création, Recherche) à ENSadLab (PSL) au sein du groupe Reflective Interaction depuis 2018. Il y effectue un travail de recherche sur la robotique collective et ses enjeux dans le régime artistique contemporain. Sa pratique personnelle, qui mêle plasticité et dématérialisation, s’articule autour de l’impact social et esthétique des technologies de communication et le rôle du spectateur face aux œuvres génératives.

13:00 – 14:00
Lunch

SANS NOUS / WITHOUT US

Salle Dussane (14:00-18:00)

14:00-14:15
Introduction : Grégory Chatonsky (École Normale Supérieure)

14:15-15:15
Christoph Ernst & Jens Schröter (University of Bonn, Germany)
Closure as Folding – Imagining Hyperobjects in Liu Cixins Trilogy Remembrance of Earth’s Past

Widely held as the most important work in Sci-Fi-Literature in recent years, receiving distinguished awards and being even recommended by Barack Obama, Liu Cixins trilogy Remembrance of Earth’s Past discusses the fatal consequences of a first contact scenario. Traumatized by the cultural revolution, a Chinese scientist establishes communication with an alien race in a nearby planetary system. This triggers a fatal string of events which ultimately lead to the destruction of humanity.
Most striking is the idea of a technological lockdown, initiated by the alien race. To prepare their invasion, the aliens create so called »Sophons«. »Sophons« are eleven dimensional supercomputers folded in such a way that they occupy in three dimensions only the space of a proton. Because of their small size these machines are able to reach earth long before the alien invasion fleet. Once they arrive on earth they are capable of keeping all human communication under surveillance and of disrupting research in particle physics, limiting the scientific development of the human race. Even more problematic, the »Sophons« force humanity to create a defense without explicitly communicating about it.
A »post digital«-scenario appears in Liu Cixins novel not only as a problem of corrupting human technologies. But the idea of a »Sophon« can be understood as a form of (alien) »hyperobject«, able to inflict global consequences on an unimaginable and unexpected scale. »Sophons« appear as a metaphor for a »post digital« disruption. The talk will apply theoretical ideas derived from Science- & Technology-Studies to the novels of Liu Cixin (a trained computer engineer). Using the concept of »sociotechnical imaginaries« (Sheila Jasanoff & others) the motive of folding and unfolding will be discussed as a metaphor to make the unimaginable consequences of (alien) supercomputing thinkable.

Jens Schröter, Prof. Dr., is chair for media studies at the University of Bonn since 2015. He was Professor for Multimedial Systems at the University of Siegen 2008-2015. He was director of the graduate school »Locating Media« at the University of Siegen from 2008-2012. He is member of the DFG-graduate research center »Locating Media« at the University of Siegen since 2012. He was (together with Prof. Dr. Lorenz Engell, Weimar) director of the DFG-research project »TV Series as Reflection and Projection of Change« from 2010-2014. He was speaker of the research project (VW foundation; together with Dr. Stefan Meretz; Dr. Hanno Pahl and Dr. Manuel Scholz-Wäckerle) »Society after Money – A Dialogue«, 2016-2018. Since 4/2018 director (together with Anja Stöffler, Mainz) of the DFG-research project »Van Gogh TV. Critical Edition, Multimedia-documentation and analysis of their Estate« (3 years). Since 10/2018 speaker of the research project (VW foundation; together with Prof. Dr. Gabriele Gramelsberger; Dr. Stefan Meretz; Dr. Hanno Pahl and Dr. Manuel Scholz-Wäckerle) »Society after Money – A Simulation« (4 years).
Christoph Ernst, PD Dr., studied German Philology, Medieval & Modern History and Philosophy at the University of Mainz, doctorate 2005 (German Philology), habilitation 2015 at the University of Erlangen-Nuremberg (Media Studies). Substitute professorships at the University of Siegen and the University of Bonn. Currently research associate in the DFG project » Van Gogh TV. Critical Edition, Multimedia-documentation and analysis of their Estate« (Univ. Bonn). His work focuses on diagrammatics & media aesthetics of information visualization, theories of implicit knowledge & digital media, especially interface theory, media theory & media philosophy, media imagination & interculturality, aesthetics & theory of audiovisual media (film & television). Latest publications: Diagrammatik – Ein interdisziplinärer Reader, Berlin: De Gruyter 2016 (ed. with Birgit Schneider and Jan Wöpking); Medien, Interfaces und implizites Wissen, (ed. with Jens Schröter), Diagramme zwischen Metapher und Explikation – Theoretische Studien zur Medien- und Filmästhetik der Diagrammatik, Bielefeld: transcript 2019 (forthcoming).

15:15-16:15
Diana Ø. Tørsløv Møller (MA in Psychology, Lecturer, Universität der Kunste, Berlin) and Helene Nymann (artist, Ph.D fellow, Interacting Minds Centre, Aarhus University) 
Experiencing Metamemories: Aplysia Californica in Conversation

New research in human memory points to the fact that rapid technological development and our daily use of digital media is changing how our memory works. How we process and remember information is largely affected by the constant online stimulation and lack of a conscious choice as to what information to remember. An example is the memory-bias known as “the google effect”, a tendency to forget information or loose interest in remembering what can be found readily online by using Internet search engines. In this dual proposal, we, psychologist Diana Ø Tørsløv Møller and visual-artist Helene Nymann, claim, that there is a need for a heightened awareness on memory biases and new methods for remembering in the digital age. To deepen our understanding hereof, we wish to challenge our tendency to rely on digital memory and present other ways of remembering i.e. learning without computer technology. Following this endeavor we use, as our interlocutor, the sea slug and famous laboratory animal, Aplysia Californica, as it has paved the way for a deeper understanding of how memories are created, and for new information about memory storage, plasticity and even memory transfer. The special combination of the sea-slug’s simple nervous system, extraordinarily large sized neurons as well as its fascinating self-defence mechanism, a fuschia-coloured chemical liquid, makes it a powerful model organism for sensitization training.
At the conference, we will present the audience to their own memory biases and give examples of non-human memory as a way to raise awareness and stimulate alternative methods of remembering in the age of rapid technological change.

Diana Ø Tørsløv Møller (born 1977, Gentofte, Denmark) is a Clinical Psychologist (MA in Psychology) and Lecturer at Universität der Künste, Berlin and at The Rhythmic Music Conservatory, Copenhagen. Since 2015 she has collaborated with Danish sound thinker/artist Jacob Eriksen on the theory- and art research project « At the Limits of Perception and Cognition ». Her work as a therapist and as a performer in immersive performance groups SIGNA (DK) and Sisters Academy (DK) has shaped her current focus on metacognition, cognitive biases and metacommunication in relation to interdiscipinary work on possible futures.
The artistic practice of Danish artist Helene Nymann, addresses the notion of embodied knowledge and the ways in which associative images stimulate memory. Applying mnemonic devices and memory- systems for image-making, Nymann constructs performative environments in which the moving image, sound and sculpture make way for transformative arrays of consciousness, deepening the understanding of the fundamental aspects, by which we process information, store knowledge and create memories for more sustainable futures. Nymann is currently an artistic research fellow at the Interacting Minds Centre, Department of Anthropology, University of Aarhus, Denmark. Her project “Memories of Sustainable Futures: Remembering in the Digital Age” is supervised by Professor Andreas Roepstorff. In 2018 Helene Nymann is the recipient of the Novo Nordisk Mads Øvlisen grant for artistic research with special mention and a fellowship for The International Studio & Curatorial Program (ISCP) in NYC. Nymann received her MFA from Malmø Art Academy and BFA from Goldsmiths University.

16:15-17:15
Louis Morelle (PhD, ENS) et Hélène Paris (artiste)
Matériaux pour un discours sur le dieu-avenir

“Le passé est su, le présent est connu, l’avenir est pressenti. Ce qui est su est objet de récit, ce qui est connu objet d’exposé, ce qui est pressenti objet de prophétie” (Schelling). Émerge aujourd’hui, à travers la notion d’effondrement, un court-circuit entre ces strates du temps : hors de l’expansion infinie du temps linéaire, semble se dégager un temps chaotique, formé d’une coprésence d’histoires multiples et de futurs à demi réalisés.
On se propose d’explorer ce statut du temps à travers la figure du satellite : participant à la construction d’un temps synchronique, celui-ci laisse derrière lui une trainée de débris spatiaux, et vient s’échouer dans les océans où, sous forme de ruines futuristes, il attend quelque archéologue à venir. Le temps présent, en ce qu’il repose sur une infrastructure plus que sur une durée vécue, prend la forme d’une pure abstraction Il s’agit d’organiser une confrontation conceptuelle entre archéologie et eschatologie, entre l’accumulation des matières et la divinisation de l’avenir, par exemple à travers les travaux de Q. Meillassoux et d’E. Thacker. Le travail plastique d’Hélène Paris, qui joue avec un ésotérisme formaliste autour des modes de représentation de l’avenir dans sa part constitutivement fictionnelle, y serviront de guide.

Hélène Paris, artiste plasticienne, née en 1982, vit et travaille entre Paris à la Cité Internationale des Arts.
http://www.heleneparis.fr
Doctorant en philosophie, Louis Morelle réside à Paris.

17:15-18:00
Flora Katz
Les bruissements du monde, sur quelques œuvres de Pierre Huyghe

En 2011, le travail de l’artiste français Pierre Huyghe (né en 1962) révèle des potentialités nouvelles sur la vitalité dans l’art. Untilled se déroulait dans un compost, avec des animaux, des plantes, qui évoluaient en parallèle d’autres réalités. Quelques années plus tard avec After ALife Ahead (2017), il y intègre la technique, présentant des réalités virtuelles et d’autres mécanismes artificiels qui co-évoluaient avec d’autres éléments. Ces formes d’œuvres que l’on nommera « système complexe » permettent de jouer avec différentes formes de vie dont l’humain est décentré, voir absent. Une exposition peut alors, naître, mourir, apprendre. Mais de quelle vie parle-t-on ? Celle d’un corps, d’une conscience ? Ce qui circule entre un objet et un organisme ? Peut-on encore utiliser ce terme ? A l’heure où les débats sur l’intelligence artificielle exige un renouvellement de ces définitions, le travail de Pierre Huyghe les met en mouvement. Avec l’appui de ses notes de travail, nous circulerons dans différentes œuvres de l’artiste pour en saisir quelques enjeux.

Flora Katz est critique d’art, commissaire d’exposition et doctorante à l’université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Ses recherches portent sur l’art contemporain et les philosophies du réalisme spéculatif, avec un focus sur l’artiste Pierre Huyghe. Elle a organisé des expositions en France et à l’étranger, et publie régulièrement dans des revues et catalogues. Dernièrement Les notes de Pierre Huyghe, in « Dits et écrits d’artistes », C. Viart (dir.), 2018 et « Rien ne nous appartient, Offrir » (Fondation Ricard, 2017) https://cargocollective.com/florakatz/About

18:00
Apéritif clôture